El Atlas de las Nubes

Ayer salí del cine bastante confuso a pesar de saber a lo que iba; La nueva película de los hermanos Wachowski (conocidos mundialmente por ser los chalaos que idearon Matrix). Escrita, dirigida y producida por ellos mismos. Basada además, en una de las novelas más complejas de la ciencia ficción reciente, Cloud Atlas (El Atlas de las Nubes)

Tengo la impresión de haber visto algo que podía haber sido una obra de arte y se ha quedado en esperpento. Muchachos, se os ha ido la olla. Me gusta la ciencia ficción y me gustan las películas ambiciosas, pero esta película es un despropósito. Cuenta, o pretende contar, seis historias distintas. Si, seis. Mediante un brillante pero insuficiente montaje y en menos de tres horas de cinta (que no es poco, pero para la cantidad de personajes y tramas es casi ridículo). Aún así, he de admitirlo, la película me ha gustado. Aquí os dejo a los mismísimos Wachowski presentando su peli, y ya sigo yo con el análisis.

Exacto, si, el trailer mola. Atentos al lío que merece la pena:

Por un lado, el abogado Adam Ewing viaja con Tom Hanks a bordo de un buque esclavista estadounidense, año 1849. ¿Hasta aquí todo bien? Seguimos. En 1936, un joven músico bisexual encuentra el diario de Ewing. El joven ha dejado a su novio para empezar a componer sus obras de la mano de otro músico filántropo y horrible. A pesar de haber abandonado a su novio, le escribe cartas a menudo. Estas cartas son encontradas en 1973 por Luisa Rey (Halle Berry) periodista de San Francisco que investiga una planta de energía nuclear . Allí conoce al Tom Hanks del s. XX, que es científico. ¿Todo bien? Pues seguimos.

Con ustedes el simpático Tom Hanks científico, 
con una Halle Berry periodista y un 
Hugh Grant magnate de la radiación.

En 2012, un editor londinense interpretado por el mismo actor que hacía de músico filántropo y horrible en 1936, hace una fortuna vendiendo el libro que ha escrito un nuevo Tom Hanks, que ahora es gangster. 

Además, Somni-451, una esclava rebelde de un restaurante de comida rápida en el Neo-Seul de 2144 planea una fuga al más puro estilo Blade Runner junto con un asiático salvador, que no es ni más ni menos que Adam Ewing, el abogado del buque de 1849 (Esta es la mejor de las tramas, la mas coherente y visualmente la más original). 

Y por si todo esto fuera poco, en el Hawaii postapocalíptico, Tom Hanks, que ahora es un pastor de cabras, conoce a la Halle Berry del futuro en el año "106 Después de la Caída". 

Con ustedes el ridículo Tom Hanks cabrero 
con una Halle Berry enviada
del futuro poniendo cara de susto.

Las historias se entrelazan y el montaje, lo mejor de la cinta, salta inteligentemente de una trama a otra con un ritmo increíble, especialmente en el último acto donde el pulso frenético recuerda mucho al de la primera Matrix. Al de Matrix. Prefiero no acordarme de que existen las otras dos.

Reconozcámoslo, la idea que plantea es muy atrayente. Todos estamos conectados a personas de otro tiempo. En el pasado y en el futuro hay réplicas de nosotros que vivirán de un modo u otro en función de las decisiones que tomemos. Esto mola mucho... Casi tanto como jugar a reconocer a los actores en las distintas épocas bajo   doscientas de capas de maquillaje. 


A partir de esta idea, vemos que; la dirección es razonablemente buena, las interpretaciones son aceptables y la fotografía destaca notablemente por la capacidad de ambientar numerosos y distintos lugares en épocas dispares, ¿Entonces por qué se hace tan pesada? ¿Por qué nunca llega ser creíble?

De una película que necesita de un  esquema de coordenadas para entender
quién es quién solo se puede decir una cosa: Muchos dólares en maquillaje.

Una buena idea no siempre da lugar a un buen guión. Es paradójico que en una película de saltos temporales no seamos capaces ni de conocer el pasado de los personajes, ni de entender sus objetivos futuros. . En ocasiones se pone on el tono pseudo-Terrence Malick y la cinta emana filosofía barata. En otras secuencias parecemos estar ante un thriller setentero que no pega demasiado y en las más absurdas se nos invita a reirnos de situaciones que lo único que dan es vergüenza ajena. Lo mejor, la trama ambientada en el Neo-Seul de 2144. Coherente y consecuente.

En lineas generales no se explicar por qué este divertimento pretencioso no me disgustó del todo y sigo pensando que es de valientes ponerse a rodar este tipo de historias. Se ha estrellado en la taquilla, vale, pero tiene toda la pinta de convertirse en un film de culto de aquí a unos años. Por lo atrayente de su argumento, por el espíritu cyberpunk que emana la mejor de sus historias y a pesar de sus obvias carencias narrativas.

Django Unchained

La peli a analizar hoy, es un VHS perdido entre estanterías y estanterías de cintas menores, ocultas a la vista del público mainstream. La anónima joya del underground de la que quiero hablar es Django Unchained, de Tarantino.

La película en sí, trata sobre un esclavo liberado que busca liberar a su esposa mientras que, por qué no, se venga de todo esclavista que encuentre en su camino. El primer actor pensado para el papel protagonista fue Will Smith, pero, pese a que también hubo ofrecimientos por parte de otros actores -como el de mi querido Idris Elba (Stringer Bell en The Wire), actorazo al que Tarantino rechazó por "ser un Brit", y él no quería un británico para hacer de negro sureño.- el elegido finalmente fue el conocido actor/cantante/cafetera/todoterreno Jamie Foxx.

Samuel L. Jackson te observa. Es muy racista.

Pese a haber descartado otros actores, la actuación de Jamie Foxx no es especialmente destacable, no da demasiada vida al personaje, algo así como el prototipo de nigga de barrio de los 90, pero vestido de vaquero. Sí que se ganan más el pan los grandes nombres, como Christoph Waltz, interpretando al liberador Dr. King, acrobático quitaempastes, o Leonardo DiCaprio, racista terrateniente sureño amante de las peleas de mandingos. Destaca el personaje de Samuel L. Jackson, algo así como un militante de PxC en el cuerpo de un anciano de color.


No quiero decir que la última de Tarantino sea una película malísima, estamos sin duda ante una buena obra de cine, sí, pero a mi modo de verlo, decepcionante. Mi forma de verlo es que hay buen cine y mal cine (según gustos, claro, aunque es difícil que aquí reseñemos una película mala), y dentro del buen cine hay películas bien hechas y, por encima de ellas, grandes películas: el Gran Cine.

Django, como casi todas las películas escritas y dirigidas por Quentin Tarantino, es una buena película, bien hecha, entretenida, con sus momentos memorables. Sin embargo, no creo que se pueda considerar como Gran Cine, y aquí es donde nace mi decepción. El sello de Tarantino nos ha dejado, hasta el momento, regusto de gran cine en todas sus pelis anteriores, a excepción de Death Proof y Kill Bill, especialmente el Volumen I. Sin embargo en las anteriores se veía claramente la intención del director de hacer una película solo para entretener, pura adrenalina, para él y sus fans o para los amantes de los géneros que explota (grindhouse en Death Proof y kung-Fu ochentero en Kill Bill), aquí reside la diferencia con Django, la intención.

La intención en Django, por plantel de actores y por cómo se ha vendido, parecía un proyecto serio (dentro del estilo de Tarantino), una propuesta de renovación del western, adaptado a los tiempos y al nuevo espectador, pero capaz de apasionar también a los fans del género. Y esto, es lo que consiguió Clint Eastwood en 1992 con Sin Perdón. Es comparando ambas cintas cuando más me doy cuenta de que Sin Perdón es Gran Cine, y Django no pasa de ser una buena película.

La de Eastwood también es violenta, llena de adrenalina y políticamente incorrecta, sí, pero explota estos recursos para adornar una historia sencilla pero con empaque, que atrapa en el momento de verla, con un montón de escenas memorables, pero una vez termina el metraje deja un poso en el espectador. La de Tarantino, pese a tener unas cuantas escenas memorables y una fuerza visual que pocos aparte de él consiguen, carece de ese punto imperecedero que hace que las películas vayan más allá del momento en que las vemos. La historia, también sencilla, no tiene detrás apenas profundidad, una vez aparecen los créditos finales, la mayor parte de lo visto se diluye y me abandona, me he reído, he disfrutado y me he entretenido, pero eso es todo.

Lo que digo es que el cine, para llegar a ser grande, tiene que tener más contenido. Admiro el cuidado de la forma que consigue Tarantino, visualmente atrapa, el guión tiene momentos brillantes, pero todo esto no acaba de funcionar si no llegamos a ningún punto de profundidad, es como un politono frente a un concierto en vivo.

Para ir cerrando, en Django encontramos una película muy visual, bastante entretenida, con algunas situaciones tarantinescas de esas que no sabes si quedarte con la boca reir o vomitar, pero también nos encontramos con bastante pobreza en los diálogos, con una historia y unos personajes bastante planitos y, mención aparte, ciertas horteradas; horteradas más allá de lo que nos tiene acostumbrado Tarantino, horteradas como algunos temas de la banda sonora (a excepción del theme de la Django original al final) y hortera como Jamie Foxx haciendo trompos con un caballo (cosas de negros, supongo).

"Santi Mazarro, autor tambien de este blog está en desacuerdo con gran parte del contenido de esta crítica pero se le ha censurado cual primate. "

El Hobbit: Un viaje inesperado

Ayer asistimos juntos al estreno de El Hobbit, un viaje inesperado, probablemente una de las películas mas esperadas de los últimos años.

En escasas ocasiones, el cine de enormes presupuestos y cifras astronómicas alcanza al mismo tiempo la brillantez cinematográfica y los grandes estudios nos brindan cintas imperecederas. El ejemplo más claro es la brillante trilogía de El Señor de los Anillos, para algunos la obra maestra del cine reciente y por su puesto la cima del género épico y de fantasía. Era por tanto de esperar que la preculela escrita por J.R.R. Tolkien y llevada por fin a la gran pantalla por el mismo equipo y a las órdenes del mismo genio que trabajó diez años atrás en El Señor de los Anillos fuese  un prometedor y suculento manjar para los amantes de la trilogía épica.

Llegó el gran día. Las luces del cine se apagan y la siempre memorable música de Howard Shore llena la sala. Un soleado día en la comarca nos ha devuelto a la Tierra Media. Bilbo Bolsón y su sobrino Frodo se preparan para la fiesta de cumpleaños del primero y será el propio Bilbo a partir de este momento el que pase a relatarnos sus aventuras, esta es su historia.

Bilbo tendrá que aprender a arreglárselas lejos de su casa, enfrentándose a peligros hasta ahora desconocidos para él durante las casi tres horas de cinta de la primera parte de una trilogía que probablemente pase a ser la Road Movie mas larga de todos los tiempos. Y es que El Hobbit no es mas que eso, la historia de un camino que trece enanos, un mago y un hobbit deberán hacer para luchar por recuperar su casa ante el desahucio que el dragón Smaug parece haberles impuesto.

Más allá de Smaug, el principal enemigo al que se enfrenta Peter Jackson en este film es a su público, así como a la enorme sombra de Aragorn, Legolas y compañía.  Mientras que la trilogía del anillo posee un tono mas oscuro y maduro, J.R.R. Tolkien escribió El Hobbit pensando en sus hijos, y esa esencia de cuento, ese tono infantil ha quedado latente en el guión de la cinta, lo cual puede sorprender -o disgustar- a muchos, especialmente a los no lectores.  Podría haberse solventado este punto obviando literalmente a sus predecesoras, pero la nostalgia pudo más que la coherencia y El Hobbit es además de una historia por sí misma, un constante homenaje a El Señor de los Anillos.

Al margen de esto, nos encontramos ante una experiencia visual prácticamente inmejorable. La dirección artística, cada uno de los decorados, el vestuario, las localizaciones... es pura magia. La quizá excesiva dilatación del planteamiento es perdonable ante la oleada de asombrosos efectos, persecuciones, luchas y aventuras que nos esperan.  Los revolucionarios y polémicos 48 fotogramas por segundo a los que se ha rodado para las tres dimensiones no los he probado de momento, preferí verla en 2D así que poco puedo aportar en este sentido.

Enormes las nuevas incorporaciones al reparto. Martin Freeman es el mejor Bilbo que uno pueda imaginarse, un actorazo con mayúsculas al que ya tuve oportunidad de ver en la serie Sherlock. Richard Armitage como el rey enano Thorin tambien muy acertado y por su puesto ni que decir de los que repiten como el veterano Ian McKellen.

Sobre Andy Serkis, que además de interpretar a Gollum ha sido codirector de la cinta, hay que hacer una mención aparte. El encuentro entre Bilbo y el mítico Gollum es sin duda la mejor escena de la película. El robo del anillo por parte de Bilbo es en cierto modo el punto de inflexión de ambos personajes y la escena es verdaderamente sobrecogedora, además nos recuerda a la oscuridad de El Señor de los Anillos lo cual es muy emocionante.

Con la ilusión de haber visto de nuevo la Tierra Media en pantalla y la opinión de que es un suculento aperitivo para las futuras generaciones que quieran ver El Señor de los Anillos por primera vez, si que espero que las dos que la suceden mejoren ligeramente el listón para poder hablar de ella como algo más que un suculento aperitivo y poder considerarla el manjar que, tal vez injustamente,  todos esperábamos.

TE GUSTARÁ SI: Eres un fan de la Tierra Media o del cine de aventuras con independencia de ser o no fan de El Señor de los Anillos.  Si esperas pasar un buen rato frente a la pantalla absorto ante una buena historia en mundo absolutamente espectacular y sobrecogedor. 

NO TE GUSTARÁ SI: Si no te gusto El Señor de los Anillos dificilmente te gustará El Hobbit. Si eres un purista de la trilogía del anillo y esperabas algo de su mismo nivel y estilo...quizá te decepcione. O quizá no.

Chronicle

Uno grupo chicos de instituto decide ponerse a explorar un bosque en medio de una fiesta rave. Allí encuentran una cueva extraña y sospechosa. Tranquilos, no es un episodio de El Internado, es el comienzo de esta nueva y original reinvención del género de superheroes.

En realidad odio la palabra superheroes para definir esta película porque puede llevar a enormes equívocos,  si se os ocurre una palabra mejor para definir el género cinematográfico en que personas corrientes obtienen poderes sobrenaturales que les convierten en seres superiores, hacedmelo saber.

Lo que encuentran en la cueva, les dotará de poderes inimaginables. Ahora bien, ¿Qué es lo que harías si tuvieses 18 años y descubrieses que tienes el poder de mover los objetos o controlar las cosas que te rodean? Seguramente tu primera decisión no sería la de ponerte una ridícula capa sobre un pijama y salvar al mundo del mal. He ahí la cuestión. La combinación de unos jóvenes personajes bien interpretados por completos desconocidos con el uso de cámara-testigo (cámara en mano y primera persona) es lo que hace de esta película una pequeña joya de la verosimilitud  dentro del género.

Chronicle me ha sorprendido gratamente. La frescura con la que está dirigida, lo novedoso de su guión y lo atrevida y verosímil que resulta hacen que se convierta en un divertimento palomitero inteligente y admirable. 

Como carta de presentación no podía ser mejor para su director Josh Trank (primera cosa que dirige en toda su vida) y para el guionista Max Landis (de lo primero que escribe). Sin duda la industria empezará a fijarse en ellos a partir de ahora. Y yo también, jijiji.

Acabo con una mala noticia, el éxito que esta producción de bajo coste está teniendo en la taquilla, ha motivado a los señores de la 20thFOX a bañar en dinero a sus creadores para que rueden la segunda parte. Probablemente, se la cargarán como ya pasó con otros tantos taquillazos de nivel que se convirtieron en franquicias chapuceras; me vienen a la mente Matrix, Shrek o Piratas del Caribe.