Django Unchained

La peli a analizar hoy, es un VHS perdido entre estanterías y estanterías de cintas menores, ocultas a la vista del público mainstream. La anónima joya del underground de la que quiero hablar es Django Unchained, de Tarantino.

La película en sí, trata sobre un esclavo liberado que busca liberar a su esposa mientras que, por qué no, se venga de todo esclavista que encuentre en su camino. El primer actor pensado para el papel protagonista fue Will Smith, pero, pese a que también hubo ofrecimientos por parte de otros actores -como el de mi querido Idris Elba (Stringer Bell en The Wire), actorazo al que Tarantino rechazó por "ser un Brit", y él no quería un británico para hacer de negro sureño.- el elegido finalmente fue el conocido actor/cantante/cafetera/todoterreno Jamie Foxx.

Samuel L. Jackson te observa. Es muy racista.

Pese a haber descartado otros actores, la actuación de Jamie Foxx no es especialmente destacable, no da demasiada vida al personaje, algo así como el prototipo de nigga de barrio de los 90, pero vestido de vaquero. Sí que se ganan más el pan los grandes nombres, como Christoph Waltz, interpretando al liberador Dr. King, acrobático quitaempastes, o Leonardo DiCaprio, racista terrateniente sureño amante de las peleas de mandingos. Destaca el personaje de Samuel L. Jackson, algo así como un militante de PxC en el cuerpo de un anciano de color.


No quiero decir que la última de Tarantino sea una película malísima, estamos sin duda ante una buena obra de cine, sí, pero a mi modo de verlo, decepcionante. Mi forma de verlo es que hay buen cine y mal cine (según gustos, claro, aunque es difícil que aquí reseñemos una película mala), y dentro del buen cine hay películas bien hechas y, por encima de ellas, grandes películas: el Gran Cine.

Django, como casi todas las películas escritas y dirigidas por Quentin Tarantino, es una buena película, bien hecha, entretenida, con sus momentos memorables. Sin embargo, no creo que se pueda considerar como Gran Cine, y aquí es donde nace mi decepción. El sello de Tarantino nos ha dejado, hasta el momento, regusto de gran cine en todas sus pelis anteriores, a excepción de Death Proof y Kill Bill, especialmente el Volumen I. Sin embargo en las anteriores se veía claramente la intención del director de hacer una película solo para entretener, pura adrenalina, para él y sus fans o para los amantes de los géneros que explota (grindhouse en Death Proof y kung-Fu ochentero en Kill Bill), aquí reside la diferencia con Django, la intención.

La intención en Django, por plantel de actores y por cómo se ha vendido, parecía un proyecto serio (dentro del estilo de Tarantino), una propuesta de renovación del western, adaptado a los tiempos y al nuevo espectador, pero capaz de apasionar también a los fans del género. Y esto, es lo que consiguió Clint Eastwood en 1992 con Sin Perdón. Es comparando ambas cintas cuando más me doy cuenta de que Sin Perdón es Gran Cine, y Django no pasa de ser una buena película.

La de Eastwood también es violenta, llena de adrenalina y políticamente incorrecta, sí, pero explota estos recursos para adornar una historia sencilla pero con empaque, que atrapa en el momento de verla, con un montón de escenas memorables, pero una vez termina el metraje deja un poso en el espectador. La de Tarantino, pese a tener unas cuantas escenas memorables y una fuerza visual que pocos aparte de él consiguen, carece de ese punto imperecedero que hace que las películas vayan más allá del momento en que las vemos. La historia, también sencilla, no tiene detrás apenas profundidad, una vez aparecen los créditos finales, la mayor parte de lo visto se diluye y me abandona, me he reído, he disfrutado y me he entretenido, pero eso es todo.

Lo que digo es que el cine, para llegar a ser grande, tiene que tener más contenido. Admiro el cuidado de la forma que consigue Tarantino, visualmente atrapa, el guión tiene momentos brillantes, pero todo esto no acaba de funcionar si no llegamos a ningún punto de profundidad, es como un politono frente a un concierto en vivo.

Para ir cerrando, en Django encontramos una película muy visual, bastante entretenida, con algunas situaciones tarantinescas de esas que no sabes si quedarte con la boca reir o vomitar, pero también nos encontramos con bastante pobreza en los diálogos, con una historia y unos personajes bastante planitos y, mención aparte, ciertas horteradas; horteradas más allá de lo que nos tiene acostumbrado Tarantino, horteradas como algunos temas de la banda sonora (a excepción del theme de la Django original al final) y hortera como Jamie Foxx haciendo trompos con un caballo (cosas de negros, supongo).

"Santi Mazarro, autor tambien de este blog está en desacuerdo con gran parte del contenido de esta crítica pero se le ha censurado cual primate. "

El Hobbit: Un viaje inesperado

Ayer asistimos juntos al estreno de El Hobbit, un viaje inesperado, probablemente una de las películas mas esperadas de los últimos años.

En escasas ocasiones, el cine de enormes presupuestos y cifras astronómicas alcanza al mismo tiempo la brillantez cinematográfica y los grandes estudios nos brindan cintas imperecederas. El ejemplo más claro es la brillante trilogía de El Señor de los Anillos, para algunos la obra maestra del cine reciente y por su puesto la cima del género épico y de fantasía. Era por tanto de esperar que la preculela escrita por J.R.R. Tolkien y llevada por fin a la gran pantalla por el mismo equipo y a las órdenes del mismo genio que trabajó diez años atrás en El Señor de los Anillos fuese  un prometedor y suculento manjar para los amantes de la trilogía épica.

Llegó el gran día. Las luces del cine se apagan y la siempre memorable música de Howard Shore llena la sala. Un soleado día en la comarca nos ha devuelto a la Tierra Media. Bilbo Bolsón y su sobrino Frodo se preparan para la fiesta de cumpleaños del primero y será el propio Bilbo a partir de este momento el que pase a relatarnos sus aventuras, esta es su historia.

Bilbo tendrá que aprender a arreglárselas lejos de su casa, enfrentándose a peligros hasta ahora desconocidos para él durante las casi tres horas de cinta de la primera parte de una trilogía que probablemente pase a ser la Road Movie mas larga de todos los tiempos. Y es que El Hobbit no es mas que eso, la historia de un camino que trece enanos, un mago y un hobbit deberán hacer para luchar por recuperar su casa ante el desahucio que el dragón Smaug parece haberles impuesto.

Más allá de Smaug, el principal enemigo al que se enfrenta Peter Jackson en este film es a su público, así como a la enorme sombra de Aragorn, Legolas y compañía.  Mientras que la trilogía del anillo posee un tono mas oscuro y maduro, J.R.R. Tolkien escribió El Hobbit pensando en sus hijos, y esa esencia de cuento, ese tono infantil ha quedado latente en el guión de la cinta, lo cual puede sorprender -o disgustar- a muchos, especialmente a los no lectores.  Podría haberse solventado este punto obviando literalmente a sus predecesoras, pero la nostalgia pudo más que la coherencia y El Hobbit es además de una historia por sí misma, un constante homenaje a El Señor de los Anillos.

Al margen de esto, nos encontramos ante una experiencia visual prácticamente inmejorable. La dirección artística, cada uno de los decorados, el vestuario, las localizaciones... es pura magia. La quizá excesiva dilatación del planteamiento es perdonable ante la oleada de asombrosos efectos, persecuciones, luchas y aventuras que nos esperan.  Los revolucionarios y polémicos 48 fotogramas por segundo a los que se ha rodado para las tres dimensiones no los he probado de momento, preferí verla en 2D así que poco puedo aportar en este sentido.

Enormes las nuevas incorporaciones al reparto. Martin Freeman es el mejor Bilbo que uno pueda imaginarse, un actorazo con mayúsculas al que ya tuve oportunidad de ver en la serie Sherlock. Richard Armitage como el rey enano Thorin tambien muy acertado y por su puesto ni que decir de los que repiten como el veterano Ian McKellen.

Sobre Andy Serkis, que además de interpretar a Gollum ha sido codirector de la cinta, hay que hacer una mención aparte. El encuentro entre Bilbo y el mítico Gollum es sin duda la mejor escena de la película. El robo del anillo por parte de Bilbo es en cierto modo el punto de inflexión de ambos personajes y la escena es verdaderamente sobrecogedora, además nos recuerda a la oscuridad de El Señor de los Anillos lo cual es muy emocionante.

Con la ilusión de haber visto de nuevo la Tierra Media en pantalla y la opinión de que es un suculento aperitivo para las futuras generaciones que quieran ver El Señor de los Anillos por primera vez, si que espero que las dos que la suceden mejoren ligeramente el listón para poder hablar de ella como algo más que un suculento aperitivo y poder considerarla el manjar que, tal vez injustamente,  todos esperábamos.

TE GUSTARÁ SI: Eres un fan de la Tierra Media o del cine de aventuras con independencia de ser o no fan de El Señor de los Anillos.  Si esperas pasar un buen rato frente a la pantalla absorto ante una buena historia en mundo absolutamente espectacular y sobrecogedor. 

NO TE GUSTARÁ SI: Si no te gusto El Señor de los Anillos dificilmente te gustará El Hobbit. Si eres un purista de la trilogía del anillo y esperabas algo de su mismo nivel y estilo...quizá te decepcione. O quizá no.

LAS PELÍCULAS DE LOS 2000

Una pequeña selección del cine con el que muchos de nosotros nos hicimos mayores.

Drive

Para retomar la actividad del blog, hoy presentamos una crítica de una de las películas más sorprendentes de los últimos años: Drive. El año pasado apareció una película de un director poco conocido, con apenas estrellas en su reparto y que no se coló en las quinielas de los grandes premios. Sin embargo, está considerada por gran parte de los críticos de cine como una de las películas mejor hechas en los últimos años. 

La historia parte de una novela de James Sallis, que cuenta la vida de Driver, un conductor especialista de cine que trabaja en un taller y por las noches conduce para delincuentes. Con este punto tan atractivo de salida hace falta un poco de mordiente para la carrera, y ese no es otro que el que le da la historia sentimental que va a vivir con Irene, su vecina. Y no contamos más por que todo en esta historia es para descubrirlo y saborearlo poco a poco.

Nicolas Winding Refn nos traslada a un universo urbano desde la vista de los coches. Tras una genial presentación del personaje principal y unos créditos muy elegantes, empezamos a conocer a los distintos papeles que van a formar parte de la historia. He oído por ahí que es como un episodio de Miami Vice, puede ser, pero es una película que destila elegancia por todos lados. La dirección está tan cuidada como la fotografía, una obra artesanal sin alejarse de los preceptos del cine comercial. 

La música es simple, tan elegante como el resto del film, con temas muy apropiados para crear esa atmósfera de desconcierto que transite el personaje principal.

Y no dejamos de hablar del personaje principal por que es el que conduce la historia. Un personaje misterioso, misántropo en sus formas y un tanto siniestro pero del que todos hablan como un buen chaval. Driver es un hombre encerrado en un coche, que no deja ver su lado humano hasta que conoce a Irene y su hijo, ahí veremos la verdadera conversión del personaje. Ryan Gosling compone una actuación correcta, tampoco es un personaje que luzca demasiado por su frialdad pero el actor canadiense aporta un registro muy adecuado para Driver además de su imponente físico. La que está genial es Carey Mulligan, una actriz que me tiene enamorado cada vez que la veo en pantalla y dota a su personaje de mucha madurez y sencillez a partes iguales. Pero los que se comen la pantalla son los secundarios. Bryan Cranston demuestra cada vez que sale en pantalla que es quizás el actor más desaprovechado de américa, un auténtico todoterreno de la actuación que algún día recibirá su verdadero reconocimiento. Albert Brooks está genial como mafioso y Ron Perlman vuelve a dejarnos de piedra con solo mostrar ese careto que tiene. También se marca un buen papel Oscar Isaac en el tiempo que aparece, muy natural su personaje. 

Recomedable 100% para cualquier tipo de público, es un gran divertimento que deja un sabor de las grandes películas del cine negro de los 80 y 90. Disfrútenla.

Una historia del Bronx (A Bronx Tale)

"No hace falta valor para apretar un gatillo, pero si para madrugar cada día y vivir de tu trabajo."

Así de claro, así reza uno de los diálogos de una de las películas que más me han enseñado en la vida. Una historia del Bronx es una enseñanza de vida en toda regla, una historia que deja huella y una película para enmarcar.

El, para el que suscribe, actor más grande de los últimos tiempos, Robert De Niro, debutó en el cine con una historia sencilla, pero con una humanidad apabullante. El libreto, basado en la historia de Chazz Palminteri (el actor que da vida al personaje de Sonny), narra la historia de Calogero, un niño del neoyorkino barrio del Bronx. Criado en una familia humilde, su padre, autobusero, le prohíbe acercarse al bar donde se reúnen los mafiosos del barrio, pero la curiosidad de un niño es imparable. Un día, en el portal de su casa, presencia como Sonny, el capo del Bronx asesina a un hombre en una disputa callejera. Calogero, como mandan los códigos del barrio, no delata a Sonny, y éste convierte al joven en su pupilo pese a la reticencia de Lorenzo, su padre. Ya en la adolescencia, Calogero, ahora conocido como C, vivirá siguiendo los consejos de Sonny, la tutela de Lorenzo y la desmedida vida de sus amigos de la infancia.

Una película planteada como pequeña que parece grande en su resultado final. El proyecto no era muy ostentoso pero tenía todos los mimbres para ser un clásico: una historia sencilla pero efectiva y unos actores de comprobado nivel. Capítulo aparte es el director, Robert De Niro debutaba como maestro de orquesta y no podía hacerlo mejor. Se nota la mano de su maestro, De Niro dirige a lo Scorsese y eso es un seguro de vida. Los planos, el uso de la música, incluso la historia y los actores parecen sacados de un filme de Marty. Estupendo debut para De Niro que dirige magníficamente y dota a la película de mucha humanidad y un buen sentido del humor sin perder de vista la dureza de la historia.

En el apartado actoral, sin palabras. Lillo Brancato, desaprovechado para el cine, clava el papel de Calogero tanto que parece hijo de De Niro, y el niño que hace del Calogero más joven (Francis Capra) le da una estupenda réplica. Los mayores están apabullantes, De Niro (que iba a interpretar al gangster pero Palminteri se reservó el papel como condición para ofrecer el guión y participar en la película) es EL PADRE con todas las letras, de todas maneras ya no sorprende otra gran actuación de este genio. Y Chazz Palminteri se come la función cuando sale en pantalla. Se nota que estuvo involucrado en el mundillo por que ofrece un gangster tan realista, tan humano, con un carisma tan grande que cala muy hondo como personaje. Atención también a un delicioso cameo de un gran amigo de De Niro y gran actor. 

Buena fotografía (a lo Scorsese) y, sobre todo, una excelente banda sonora, redondean el espectáculo. Atentos a la lista de canciones: Jimmi Hendrix, The Moodly Blues, The Beatles, Frank Sinatra, The Kinks, James Brown… Sin palabras.

Todas las palabras que escriba acerca de esta película no reflejan lo grande que es en realidad. Como epitafio a esta crítica dejo una serie de diálogos del filme que forman parte de mi filosofía de vida ya:

“Sonny y mi padre siempre decían que cuando fuera mayor lo entendería todo, bien, pues asi fue. Aprendí algo de aquellos dos hombres, aprendí a dar y a recibir amor incondicionalmente. 

Uno debe aceptar a los demás tal y como son, y aprendí la leccion más importante de todas, no hay cosa más triste en la vida que el talento mal gastado. Las decisiones que uno tome, determinan su futuro para siempre.”

“Era estupendo ser católico y confesarse. Podías empezar desde cero cuando quisieras."

“-Sonny: Coges mi coche y le haces la prueba. 

-Calogero: ¿La prueba de Mario?
Sonny: ¿Qué? Mario es un puto lunático. A saber que se le habrá ocurrido. Le harás mi prueba. La prueba de la puerta.
-Calogero: ¿Y cómo se hace?
-Sonny: Pon mucha atención. Paras el coche delante de ella. El seguro de su puerta tiene que estar cerrado. Sales, cierras la puerta con llave y te acercas a ella. La conduces hasta el coche, sacas la llave y dejas que suba. Cuando esté dentro vuelves a cerrar la puerta. Luego vas por detrás y miras por la ventanilla trasera. Si la chica no se mueve para levantar el seguro de tu puerta para que entres olvídala.
-Calogero: ¿Así de sencillo?
-Sonny: Escúchame hijo. Si es incapaz de molestarse en levantar el seguro para que puedas entrar significa que sólo piensa en ella. Y eso no es más que la punta del iceberg. Pasa rápidamente de ella.”

“-Calogero: ¿Y qué hacías todo el día? (en la cárcel)
-Sonny: Allí sólo se pueden hacer tres cosas: levantar pesas, jugar a las cartas o buscar líos.
-Calogero: ¿Qué hacías tú?
-Sonny: ¿Yo? Leer.”

“-Calogero: ¿Es mejor que te teman o que te quieran?
-Sonny: Buena pregunta. Lo mejor sería una mezcla pero eso es difícil, aunque puestos a elegir prefiero que me teman. El miedo dura más tiempo que el amor. Las amistades que se compran no valen nada.”

“El obrero es el autentico tipo duro.”

“¿Te preocupas por Mickey Mantle? A Mickey Mantle le importas un comino.”

Breaking Bad (Serie)

FICHITA TÉCNICA:

CREADOR: Vince Gilligan.
REPARTO: Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul, Rj Mitte, Dean Norris, Betsy Brandt, Bob Odenkirk, Giancarlo Esposito, Jonathan Banks.

AÑO: 2008 - ?
CADENA: AMC

PAÍS: EE.UU.

Inauguramos en Café, Humo y Palomitas la nueva sección de series con una de las mejores series del momento, Breaking Bad. En esta sección haremos una reseña general sobre la serie (como esta) y luego iremos completando con análisis temporada a temporada. De todas formas todo esto será con calma y poquito a poquito, como debe ser.

Cranston y Paul liberándose de la carga de sus roles

Breaking Bad trata sobre la vida de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química de un instituto de secundaria en Alburquerque, Nuevo México. Su vida, ya gris de por si, cobra un sentido más dramático en el momento en el que, en su segundo empleo en un lavadero de coches, se desmaya y tras las pruebas médicas descubre que tiene un cáncer de pulmón cuyo tratamiento no cubre el seguro médico. El protagonista, cuyos problemas de comunicación con su familia son evidentes, oculta a su mujer Skyler (Anna Gunn) y su hijo minúsvalido Walter Jr. (RJ Mitte) su enfermedad.

Todo cambia cuando decide acompañar a su cuñado Hank Schroedder (Dean Norris) a su trabajo: agente de la DEA. En una redada policial en la casa de un fabricante de metanfetamina (o cristal) apodado "Capitán Cook", presencia como su ex-alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) huye de la casa objetivo de la redada, apareciendo así en su mente la idea que cambiará definitivamente su vida: usar sus conocimientos de química para fabricar o cocinar "cristal".

Walter ve en la droga la única fórmula que le permitirá pagar un tratamiento de quimioterapia que, debido al deficiente sistema sanitario estadounidense, solo está al alcance de unos pocos o, si este tratamiento no funciona, al menos dejar a su familia una cierta seguridad económica. Y así, acudiendo a la casa de Pinkman para ofrecerle colaborar con él, es como comienzan las andaduras del que en un futuro se convertiría en un mito entre los narcotraficantes, el apodado como "Heisenberg".

Hoy por hoy una de las series más exitosas de la cadena AMC, Breaking Bad ha cosechado desde su lanzamiento en 2008 una gran cantidad de nominaciones a diversos galardones y ha ganado, por poner un ejemplo, seis Emmy y tres Satellite. De estos premios la mayoría son gracias a las impresionantes actuaciones del plantel, de hecho Bryan Cranston ha ganado el Emmy a mejor actor e serie dramática todos los años desde que comenzó la emisión de la serie por su papel como Walter White, y en 2011 Aaron Paul recibió el de mejor actor secundario.

La complejidad de los personajes es uno de los puntos más fuertes en los que se apoya  el éxito de esta serie. El rol protagonista de Walter White  es realmente difícil de entender en muchos momentos, una desesperación vital que tumbaría a cualquiera, hacen que esté bailando constantemente no sobre la linea de lo legal, sino de lo moral. Y si esto lo unes a su complicada personalidad, la de un hombre tímido, que tiende a evitar afrontar sus problemas y guardar sus sentimientos para si mismo, dejando a un lado incluso a su esposa, pero a la vez inteligente y calculador, consigues un personaje que solo un gran actor puede defender, y ahí entra Bryan Cranston, la gran revelación de esta serie. ¿Quién podía imaginar que detrás de Hal, el padre (idiota) de la serie Malcom: In the middle se escondía uno de los mejores actores dramáticos de toda la televisión?

 Pero como dicen los galardones, la interpretación de Bryan Cranston no es la única buena en la serie, el co-protagonista Aaron Paul, con el papel de Jesse Pinkman también ha conseguido llevar un Emmy a su vitrina. Es realmente este el primer papel importante de Paul, que a sus 29 años (en 2008) tan solo había participado de manera poco relevante en unas cuantas películas, series y videoclips, sin embargo ha respondido bien a la confianza depositada en él y, como se puede ver en la serie, ha crecido mucho como actor, sabiendo hacer evolucionar su actuación con el personaje.

Otra de las características de la serie es que, por motivos extrasensoriales (no), acabas odiando a los personajes "buenos" y amando a los "malos". El entorno familiar de Walter resulta bastante odioso, siendo personas en el bando "bueno", que viven dentro de la legalidad y la honradez, sin embargo cuanto más aparece Skyler, la esposa de Walter, más la aborreces, por no hablar de su hermana Marie y su marido Hank, aunque a éste último se le coge cierto cariño  en algunos momentos (además de estar fantásticamente interpretado). Pero de nuevo hay que hablar de la complejidad de los personajes, no hay persona totalemente buena en Breaking Bad, ni todo lo contrario.

Por el otro lado nos encontramos con los "malos", gente corrupta y fuera de la ley a la que, sin embargo, se le coge un tremendo cariño. Empezando por el primero que aparece, el abogado chanchullero Saul Goodman interpretado por Bob Odenkirk, personaje televisivo mucho más conocido en EE.UU.  que en España. Goodman es el prototipo de abogado hortera que se anuncia por televisión y que conoce tanto el modus operandi de la justicia como de los criminales, amparándose en el secreto abogado-cliente para ayudar a criminales en sus actividades, pero a la hora de la verdad, solo puedes desear que le vaya bien.

Así que ya sabéis "Better Call Saul!" http://www.bettercallsaul.com/

Giancarlo Espósito en Do the right thing (1989)

Y el siguiente "malo" encantador que conoceremos será Gustavo Fring, al que da vida Giancarlo Espósito (además de su fiel Mike). Gus, como le conoceremos, sin querer hacer spoiler, pero es uno de esos personajes carismáticos y controvertidos, que sabe manejar su imperio sin dañar su imagen pública de buen samaritano. La interpretación es otra vez ideal para el personaje planteado, Esposito da vida con elegancia al criminal educado, siempre guardando las formas pero controlando su negocio sin piedad. Pero no, no estamos ante un actor sin un pasado conocido como Aaron Paul, Esposito se ganó su fama a finales de los 80 y principios de los 90, sobretodo de la mano del director Spike Lee, actuando en varias películas suyas, como de la que se ha extraído el fotograma que acompaña este párrafo.

Y básicamente esto es todo sobre Breaking Bad, si buscáis una serie consistente, un drama cargado de humor negro y totalmente alejado del típico maniqueísmo que rezuman las producciónes holywoodienses, es totalmente recomendable empezar a verla ya, que hay muchas temporadas a muchos capítulos y cada capítulo dura cerca de los tres cuartos de hora. ¡No hay tiempo que perder!

Barrio

“…qué más da, si al final me sale todo, siempre bien, del revés…”

Así rezaba uno de los himnos del rock español de los años 90, en concreto el tema Jesucristo García de los Extremoduro que forma parte de la banda sonora de esta película tan familiar como cruda, donde los que vivimos de pequeños en un barrio obrero de Madrid nos sentimos identificados con las vidas de nuestros protagonistas.

Barrio es el segundo largo de Fernando León de Aranoa, y el preludio de su gran obra que es la maravillosa “Los lunes al sol”. Después de la genial carta de presentación que dejó con Familia (1996), Aranoa cambia los ambientes teatrales y cómicos por el barrio de San Blas y la vida que desprenden los bloques del conocido barrio madrileño. Nada más comenzar se nos presenta a tres chavales: Manu, Javi y Rai, y sus familias. La España del momento vivía un momento de auge y europeización que las familias de los protagonistas no veían, como muchas en esos barrios. La discusión en la mesa de Javi acerca de irse de vacaciones es un reflejo de las dos Españas del momento, y no hablo de política, si no de gente que no podía permitirse la vida que, según los medios, tenían la mayoría de familias españolas.

En este contexto Manu, Javi y Rai, a falta de comunicaciones con el centro de Madrid, pasan los días en el barrio, pateándose las calles y buscando maneras de escapar de la realidad. La falta de dinero apremia la necesidad de buscarse un trabajo o la vida para conseguir dinero. Parece duro pero así es la vida de estos tres adolescentes que también viven con las preocupaciones de estos, la curiosidad por las chicas, el atractivo de lo delictivo y el peligro… creo que todos hemos vivido esa etapa. Y así transcurre la historia, entre calles y descampados, con el sol de justicia que cubre Madrid en los meses de verano y la vida de los bloques de viviendas sociales de San Blas.

Aranoa filma la película con el conocimiento de su historia, con el tono de humor adecuado para que no dejemos de pensar lo dura que es la vida en este Barrio y con el pulso de un director que aquí apuntaba maneras y en su siguiente filme ganaría el Goya, pero esa es otra historia aunque tan dura como esta sin duda. Los actores están genial, si no son naturales de San Blas lo parecen,  Críspulo Cabezas, Eloy Yebra y Timi están geniales, divertidos y te sientes identificado con ellos en muchas ocasiones. El cartel de secundarios es perfecto, Enrique Villén, Francisco Algora y Alicia Sánchez están perfectos como los padres que cargan en sus hombros todas las dificultades de la vida. Marieta Orozco está genial como la hermana de Javi, ella es parte esencial de la película ya que es el reclamo que hace que los protagonistas empiecen a interesarse por las chicas y todo lo que ello conlleva. También podemos ver caras conocidas de nuestro cine y televisión como Daniel Guzmán o Chete Lera.

La luz del Madrid veraniego guía la fotografía de la película. La banda sonora es perfecta, todos los temas tienen aroma de Barrio, como el rap de 7n7c o el rock urbano de Extremoduro, Hechos contra el decoro o Habeas Corpus.

Sencilla, nostálgica, triste, dura, divertida, te tiene con una sonrisa en la boca tan pronto como te pone una lágrima en la mejilla. Sin duda es una película de Barrio, no de San Blas, ni de sus protagonistas, de todos los barrios. 

TE GUSTARÁ SI: Te gusta el cine real, has pasado tu adolescencia en el Barrio pateando las calles o simplemente te gustan las películas que cuentan una historia sin necesidad de acción ni efectos especiales. 

NO TE GUSTARÁ SI: Esperas que Barrio sea (la genial por cierto) Una historia del Bronx, aquí no hay gangsters con traje y peleas de bandas a lo Capone, esto es Madrid, quizás no sea tan espectacular, pero también es duro. 

NUESTRA NOTA: (sobre 10)

• Santi Mazarro        7,0
• Andrés Moraleda   7,0
• Ignacio Haragán 
• Marcos Cuevas