El Hobbit: Un viaje inesperado

Ayer asistimos juntos al estreno de El Hobbit, un viaje inesperado, probablemente una de las películas mas esperadas de los últimos años.

En escasas ocasiones, el cine de enormes presupuestos y cifras astronómicas alcanza al mismo tiempo la brillantez cinematográfica y los grandes estudios nos brindan cintas imperecederas. El ejemplo más claro es la brillante trilogía de El Señor de los Anillos, para algunos la obra maestra del cine reciente y por su puesto la cima del género épico y de fantasía. Era por tanto de esperar que la preculela escrita por J.R.R. Tolkien y llevada por fin a la gran pantalla por el mismo equipo y a las órdenes del mismo genio que trabajó diez años atrás en El Señor de los Anillos fuese  un prometedor y suculento manjar para los amantes de la trilogía épica.

Llegó el gran día. Las luces del cine se apagan y la siempre memorable música de Howard Shore llena la sala. Un soleado día en la comarca nos ha devuelto a la Tierra Media. Bilbo Bolsón y su sobrino Frodo se preparan para la fiesta de cumpleaños del primero y será el propio Bilbo a partir de este momento el que pase a relatarnos sus aventuras, esta es su historia.

Bilbo tendrá que aprender a arreglárselas lejos de su casa, enfrentándose a peligros hasta ahora desconocidos para él durante las casi tres horas de cinta de la primera parte de una trilogía que probablemente pase a ser la Road Movie mas larga de todos los tiempos. Y es que El Hobbit no es mas que eso, la historia de un camino que trece enanos, un mago y un hobbit deberán hacer para luchar por recuperar su casa ante el desahucio que el dragón Smaug parece haberles impuesto.

Más allá de Smaug, el principal enemigo al que se enfrenta Peter Jackson en este film es a su público, así como a la enorme sombra de Aragorn, Legolas y compañía.  Mientras que la trilogía del anillo posee un tono mas oscuro y maduro, J.R.R. Tolkien escribió El Hobbit pensando en sus hijos, y esa esencia de cuento, ese tono infantil ha quedado latente en el guión de la cinta, lo cual puede sorprender -o disgustar- a muchos, especialmente a los no lectores.  Podría haberse solventado este punto obviando literalmente a sus predecesoras, pero la nostalgia pudo más que la coherencia y El Hobbit es además de una historia por sí misma, un constante homenaje a El Señor de los Anillos.

Al margen de esto, nos encontramos ante una experiencia visual prácticamente inmejorable. La dirección artística, cada uno de los decorados, el vestuario, las localizaciones... es pura magia. La quizá excesiva dilatación del planteamiento es perdonable ante la oleada de asombrosos efectos, persecuciones, luchas y aventuras que nos esperan.  Los revolucionarios y polémicos 48 fotogramas por segundo a los que se ha rodado para las tres dimensiones no los he probado de momento, preferí verla en 2D así que poco puedo aportar en este sentido.

Enormes las nuevas incorporaciones al reparto. Martin Freeman es el mejor Bilbo que uno pueda imaginarse, un actorazo con mayúsculas al que ya tuve oportunidad de ver en la serie Sherlock. Richard Armitage como el rey enano Thorin tambien muy acertado y por su puesto ni que decir de los que repiten como el veterano Ian McKellen.

Sobre Andy Serkis, que además de interpretar a Gollum ha sido codirector de la cinta, hay que hacer una mención aparte. El encuentro entre Bilbo y el mítico Gollum es sin duda la mejor escena de la película. El robo del anillo por parte de Bilbo es en cierto modo el punto de inflexión de ambos personajes y la escena es verdaderamente sobrecogedora, además nos recuerda a la oscuridad de El Señor de los Anillos lo cual es muy emocionante.

Con la ilusión de haber visto de nuevo la Tierra Media en pantalla y la opinión de que es un suculento aperitivo para las futuras generaciones que quieran ver El Señor de los Anillos por primera vez, si que espero que las dos que la suceden mejoren ligeramente el listón para poder hablar de ella como algo más que un suculento aperitivo y poder considerarla el manjar que, tal vez injustamente,  todos esperábamos.

TE GUSTARÁ SI: Eres un fan de la Tierra Media o del cine de aventuras con independencia de ser o no fan de El Señor de los Anillos.  Si esperas pasar un buen rato frente a la pantalla absorto ante una buena historia en mundo absolutamente espectacular y sobrecogedor. 

NO TE GUSTARÁ SI: Si no te gusto El Señor de los Anillos dificilmente te gustará El Hobbit. Si eres un purista de la trilogía del anillo y esperabas algo de su mismo nivel y estilo...quizá te decepcione. O quizá no.

LAS PELÍCULAS DE LOS 2000

Una pequeña selección del cine con el que muchos de nosotros nos hicimos mayores.

Drive

Para retomar la actividad del blog, hoy presentamos una crítica de una de las películas más sorprendentes de los últimos años: Drive. El año pasado apareció una película de un director poco conocido, con apenas estrellas en su reparto y que no se coló en las quinielas de los grandes premios. Sin embargo, está considerada por gran parte de los críticos de cine como una de las películas mejor hechas en los últimos años. 

La historia parte de una novela de James Sallis, que cuenta la vida de Driver, un conductor especialista de cine que trabaja en un taller y por las noches conduce para delincuentes. Con este punto tan atractivo de salida hace falta un poco de mordiente para la carrera, y ese no es otro que el que le da la historia sentimental que va a vivir con Irene, su vecina. Y no contamos más por que todo en esta historia es para descubrirlo y saborearlo poco a poco.

Nicolas Winding Refn nos traslada a un universo urbano desde la vista de los coches. Tras una genial presentación del personaje principal y unos créditos muy elegantes, empezamos a conocer a los distintos papeles que van a formar parte de la historia. He oído por ahí que es como un episodio de Miami Vice, puede ser, pero es una película que destila elegancia por todos lados. La dirección está tan cuidada como la fotografía, una obra artesanal sin alejarse de los preceptos del cine comercial. 

La música es simple, tan elegante como el resto del film, con temas muy apropiados para crear esa atmósfera de desconcierto que transite el personaje principal.

Y no dejamos de hablar del personaje principal por que es el que conduce la historia. Un personaje misterioso, misántropo en sus formas y un tanto siniestro pero del que todos hablan como un buen chaval. Driver es un hombre encerrado en un coche, que no deja ver su lado humano hasta que conoce a Irene y su hijo, ahí veremos la verdadera conversión del personaje. Ryan Gosling compone una actuación correcta, tampoco es un personaje que luzca demasiado por su frialdad pero el actor canadiense aporta un registro muy adecuado para Driver además de su imponente físico. La que está genial es Carey Mulligan, una actriz que me tiene enamorado cada vez que la veo en pantalla y dota a su personaje de mucha madurez y sencillez a partes iguales. Pero los que se comen la pantalla son los secundarios. Bryan Cranston demuestra cada vez que sale en pantalla que es quizás el actor más desaprovechado de américa, un auténtico todoterreno de la actuación que algún día recibirá su verdadero reconocimiento. Albert Brooks está genial como mafioso y Ron Perlman vuelve a dejarnos de piedra con solo mostrar ese careto que tiene. También se marca un buen papel Oscar Isaac en el tiempo que aparece, muy natural su personaje. 

Recomedable 100% para cualquier tipo de público, es un gran divertimento que deja un sabor de las grandes películas del cine negro de los 80 y 90. Disfrútenla.

Una historia del Bronx (A Bronx Tale)

"No hace falta valor para apretar un gatillo, pero si para madrugar cada día y vivir de tu trabajo."

Así de claro, así reza uno de los diálogos de una de las películas que más me han enseñado en la vida. Una historia del Bronx es una enseñanza de vida en toda regla, una historia que deja huella y una película para enmarcar.

El, para el que suscribe, actor más grande de los últimos tiempos, Robert De Niro, debutó en el cine con una historia sencilla, pero con una humanidad apabullante. El libreto, basado en la historia de Chazz Palminteri (el actor que da vida al personaje de Sonny), narra la historia de Calogero, un niño del neoyorkino barrio del Bronx. Criado en una familia humilde, su padre, autobusero, le prohíbe acercarse al bar donde se reúnen los mafiosos del barrio, pero la curiosidad de un niño es imparable. Un día, en el portal de su casa, presencia como Sonny, el capo del Bronx asesina a un hombre en una disputa callejera. Calogero, como mandan los códigos del barrio, no delata a Sonny, y éste convierte al joven en su pupilo pese a la reticencia de Lorenzo, su padre. Ya en la adolescencia, Calogero, ahora conocido como C, vivirá siguiendo los consejos de Sonny, la tutela de Lorenzo y la desmedida vida de sus amigos de la infancia.

Una película planteada como pequeña que parece grande en su resultado final. El proyecto no era muy ostentoso pero tenía todos los mimbres para ser un clásico: una historia sencilla pero efectiva y unos actores de comprobado nivel. Capítulo aparte es el director, Robert De Niro debutaba como maestro de orquesta y no podía hacerlo mejor. Se nota la mano de su maestro, De Niro dirige a lo Scorsese y eso es un seguro de vida. Los planos, el uso de la música, incluso la historia y los actores parecen sacados de un filme de Marty. Estupendo debut para De Niro que dirige magníficamente y dota a la película de mucha humanidad y un buen sentido del humor sin perder de vista la dureza de la historia.

En el apartado actoral, sin palabras. Lillo Brancato, desaprovechado para el cine, clava el papel de Calogero tanto que parece hijo de De Niro, y el niño que hace del Calogero más joven (Francis Capra) le da una estupenda réplica. Los mayores están apabullantes, De Niro (que iba a interpretar al gangster pero Palminteri se reservó el papel como condición para ofrecer el guión y participar en la película) es EL PADRE con todas las letras, de todas maneras ya no sorprende otra gran actuación de este genio. Y Chazz Palminteri se come la función cuando sale en pantalla. Se nota que estuvo involucrado en el mundillo por que ofrece un gangster tan realista, tan humano, con un carisma tan grande que cala muy hondo como personaje. Atención también a un delicioso cameo de un gran amigo de De Niro y gran actor. 

Buena fotografía (a lo Scorsese) y, sobre todo, una excelente banda sonora, redondean el espectáculo. Atentos a la lista de canciones: Jimmi Hendrix, The Moodly Blues, The Beatles, Frank Sinatra, The Kinks, James Brown… Sin palabras.

Todas las palabras que escriba acerca de esta película no reflejan lo grande que es en realidad. Como epitafio a esta crítica dejo una serie de diálogos del filme que forman parte de mi filosofía de vida ya:

“Sonny y mi padre siempre decían que cuando fuera mayor lo entendería todo, bien, pues asi fue. Aprendí algo de aquellos dos hombres, aprendí a dar y a recibir amor incondicionalmente. 

Uno debe aceptar a los demás tal y como son, y aprendí la leccion más importante de todas, no hay cosa más triste en la vida que el talento mal gastado. Las decisiones que uno tome, determinan su futuro para siempre.”

“Era estupendo ser católico y confesarse. Podías empezar desde cero cuando quisieras."

“-Sonny: Coges mi coche y le haces la prueba. 

-Calogero: ¿La prueba de Mario?
Sonny: ¿Qué? Mario es un puto lunático. A saber que se le habrá ocurrido. Le harás mi prueba. La prueba de la puerta.
-Calogero: ¿Y cómo se hace?
-Sonny: Pon mucha atención. Paras el coche delante de ella. El seguro de su puerta tiene que estar cerrado. Sales, cierras la puerta con llave y te acercas a ella. La conduces hasta el coche, sacas la llave y dejas que suba. Cuando esté dentro vuelves a cerrar la puerta. Luego vas por detrás y miras por la ventanilla trasera. Si la chica no se mueve para levantar el seguro de tu puerta para que entres olvídala.
-Calogero: ¿Así de sencillo?
-Sonny: Escúchame hijo. Si es incapaz de molestarse en levantar el seguro para que puedas entrar significa que sólo piensa en ella. Y eso no es más que la punta del iceberg. Pasa rápidamente de ella.”

“-Calogero: ¿Y qué hacías todo el día? (en la cárcel)
-Sonny: Allí sólo se pueden hacer tres cosas: levantar pesas, jugar a las cartas o buscar líos.
-Calogero: ¿Qué hacías tú?
-Sonny: ¿Yo? Leer.”

“-Calogero: ¿Es mejor que te teman o que te quieran?
-Sonny: Buena pregunta. Lo mejor sería una mezcla pero eso es difícil, aunque puestos a elegir prefiero que me teman. El miedo dura más tiempo que el amor. Las amistades que se compran no valen nada.”

“El obrero es el autentico tipo duro.”

“¿Te preocupas por Mickey Mantle? A Mickey Mantle le importas un comino.”

Breaking Bad (Serie)

FICHITA TÉCNICA:

CREADOR: Vince Gilligan.
REPARTO: Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul, Rj Mitte, Dean Norris, Betsy Brandt, Bob Odenkirk, Giancarlo Esposito, Jonathan Banks.

AÑO: 2008 - ?
CADENA: AMC

PAÍS: EE.UU.

Inauguramos en Café, Humo y Palomitas la nueva sección de series con una de las mejores series del momento, Breaking Bad. En esta sección haremos una reseña general sobre la serie (como esta) y luego iremos completando con análisis temporada a temporada. De todas formas todo esto será con calma y poquito a poquito, como debe ser.

Cranston y Paul liberándose de la carga de sus roles

Breaking Bad trata sobre la vida de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química de un instituto de secundaria en Alburquerque, Nuevo México. Su vida, ya gris de por si, cobra un sentido más dramático en el momento en el que, en su segundo empleo en un lavadero de coches, se desmaya y tras las pruebas médicas descubre que tiene un cáncer de pulmón cuyo tratamiento no cubre el seguro médico. El protagonista, cuyos problemas de comunicación con su familia son evidentes, oculta a su mujer Skyler (Anna Gunn) y su hijo minúsvalido Walter Jr. (RJ Mitte) su enfermedad.

Todo cambia cuando decide acompañar a su cuñado Hank Schroedder (Dean Norris) a su trabajo: agente de la DEA. En una redada policial en la casa de un fabricante de metanfetamina (o cristal) apodado "Capitán Cook", presencia como su ex-alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) huye de la casa objetivo de la redada, apareciendo así en su mente la idea que cambiará definitivamente su vida: usar sus conocimientos de química para fabricar o cocinar "cristal".

Walter ve en la droga la única fórmula que le permitirá pagar un tratamiento de quimioterapia que, debido al deficiente sistema sanitario estadounidense, solo está al alcance de unos pocos o, si este tratamiento no funciona, al menos dejar a su familia una cierta seguridad económica. Y así, acudiendo a la casa de Pinkman para ofrecerle colaborar con él, es como comienzan las andaduras del que en un futuro se convertiría en un mito entre los narcotraficantes, el apodado como "Heisenberg".

Hoy por hoy una de las series más exitosas de la cadena AMC, Breaking Bad ha cosechado desde su lanzamiento en 2008 una gran cantidad de nominaciones a diversos galardones y ha ganado, por poner un ejemplo, seis Emmy y tres Satellite. De estos premios la mayoría son gracias a las impresionantes actuaciones del plantel, de hecho Bryan Cranston ha ganado el Emmy a mejor actor e serie dramática todos los años desde que comenzó la emisión de la serie por su papel como Walter White, y en 2011 Aaron Paul recibió el de mejor actor secundario.

La complejidad de los personajes es uno de los puntos más fuertes en los que se apoya  el éxito de esta serie. El rol protagonista de Walter White  es realmente difícil de entender en muchos momentos, una desesperación vital que tumbaría a cualquiera, hacen que esté bailando constantemente no sobre la linea de lo legal, sino de lo moral. Y si esto lo unes a su complicada personalidad, la de un hombre tímido, que tiende a evitar afrontar sus problemas y guardar sus sentimientos para si mismo, dejando a un lado incluso a su esposa, pero a la vez inteligente y calculador, consigues un personaje que solo un gran actor puede defender, y ahí entra Bryan Cranston, la gran revelación de esta serie. ¿Quién podía imaginar que detrás de Hal, el padre (idiota) de la serie Malcom: In the middle se escondía uno de los mejores actores dramáticos de toda la televisión?

 Pero como dicen los galardones, la interpretación de Bryan Cranston no es la única buena en la serie, el co-protagonista Aaron Paul, con el papel de Jesse Pinkman también ha conseguido llevar un Emmy a su vitrina. Es realmente este el primer papel importante de Paul, que a sus 29 años (en 2008) tan solo había participado de manera poco relevante en unas cuantas películas, series y videoclips, sin embargo ha respondido bien a la confianza depositada en él y, como se puede ver en la serie, ha crecido mucho como actor, sabiendo hacer evolucionar su actuación con el personaje.

Otra de las características de la serie es que, por motivos extrasensoriales (no), acabas odiando a los personajes "buenos" y amando a los "malos". El entorno familiar de Walter resulta bastante odioso, siendo personas en el bando "bueno", que viven dentro de la legalidad y la honradez, sin embargo cuanto más aparece Skyler, la esposa de Walter, más la aborreces, por no hablar de su hermana Marie y su marido Hank, aunque a éste último se le coge cierto cariño  en algunos momentos (además de estar fantásticamente interpretado). Pero de nuevo hay que hablar de la complejidad de los personajes, no hay persona totalemente buena en Breaking Bad, ni todo lo contrario.

Por el otro lado nos encontramos con los "malos", gente corrupta y fuera de la ley a la que, sin embargo, se le coge un tremendo cariño. Empezando por el primero que aparece, el abogado chanchullero Saul Goodman interpretado por Bob Odenkirk, personaje televisivo mucho más conocido en EE.UU.  que en España. Goodman es el prototipo de abogado hortera que se anuncia por televisión y que conoce tanto el modus operandi de la justicia como de los criminales, amparándose en el secreto abogado-cliente para ayudar a criminales en sus actividades, pero a la hora de la verdad, solo puedes desear que le vaya bien.

Así que ya sabéis "Better Call Saul!" http://www.bettercallsaul.com/

Giancarlo Espósito en Do the right thing (1989)

Y el siguiente "malo" encantador que conoceremos será Gustavo Fring, al que da vida Giancarlo Espósito (además de su fiel Mike). Gus, como le conoceremos, sin querer hacer spoiler, pero es uno de esos personajes carismáticos y controvertidos, que sabe manejar su imperio sin dañar su imagen pública de buen samaritano. La interpretación es otra vez ideal para el personaje planteado, Esposito da vida con elegancia al criminal educado, siempre guardando las formas pero controlando su negocio sin piedad. Pero no, no estamos ante un actor sin un pasado conocido como Aaron Paul, Esposito se ganó su fama a finales de los 80 y principios de los 90, sobretodo de la mano del director Spike Lee, actuando en varias películas suyas, como de la que se ha extraído el fotograma que acompaña este párrafo.

Y básicamente esto es todo sobre Breaking Bad, si buscáis una serie consistente, un drama cargado de humor negro y totalmente alejado del típico maniqueísmo que rezuman las producciónes holywoodienses, es totalmente recomendable empezar a verla ya, que hay muchas temporadas a muchos capítulos y cada capítulo dura cerca de los tres cuartos de hora. ¡No hay tiempo que perder!

Barrio

“…qué más da, si al final me sale todo, siempre bien, del revés…”

Así rezaba uno de los himnos del rock español de los años 90, en concreto el tema Jesucristo García de los Extremoduro que forma parte de la banda sonora de esta película tan familiar como cruda, donde los que vivimos de pequeños en un barrio obrero de Madrid nos sentimos identificados con las vidas de nuestros protagonistas.

Barrio es el segundo largo de Fernando León de Aranoa, y el preludio de su gran obra que es la maravillosa “Los lunes al sol”. Después de la genial carta de presentación que dejó con Familia (1996), Aranoa cambia los ambientes teatrales y cómicos por el barrio de San Blas y la vida que desprenden los bloques del conocido barrio madrileño. Nada más comenzar se nos presenta a tres chavales: Manu, Javi y Rai, y sus familias. La España del momento vivía un momento de auge y europeización que las familias de los protagonistas no veían, como muchas en esos barrios. La discusión en la mesa de Javi acerca de irse de vacaciones es un reflejo de las dos Españas del momento, y no hablo de política, si no de gente que no podía permitirse la vida que, según los medios, tenían la mayoría de familias españolas.

En este contexto Manu, Javi y Rai, a falta de comunicaciones con el centro de Madrid, pasan los días en el barrio, pateándose las calles y buscando maneras de escapar de la realidad. La falta de dinero apremia la necesidad de buscarse un trabajo o la vida para conseguir dinero. Parece duro pero así es la vida de estos tres adolescentes que también viven con las preocupaciones de estos, la curiosidad por las chicas, el atractivo de lo delictivo y el peligro… creo que todos hemos vivido esa etapa. Y así transcurre la historia, entre calles y descampados, con el sol de justicia que cubre Madrid en los meses de verano y la vida de los bloques de viviendas sociales de San Blas.

Aranoa filma la película con el conocimiento de su historia, con el tono de humor adecuado para que no dejemos de pensar lo dura que es la vida en este Barrio y con el pulso de un director que aquí apuntaba maneras y en su siguiente filme ganaría el Goya, pero esa es otra historia aunque tan dura como esta sin duda. Los actores están genial, si no son naturales de San Blas lo parecen,  Críspulo Cabezas, Eloy Yebra y Timi están geniales, divertidos y te sientes identificado con ellos en muchas ocasiones. El cartel de secundarios es perfecto, Enrique Villén, Francisco Algora y Alicia Sánchez están perfectos como los padres que cargan en sus hombros todas las dificultades de la vida. Marieta Orozco está genial como la hermana de Javi, ella es parte esencial de la película ya que es el reclamo que hace que los protagonistas empiecen a interesarse por las chicas y todo lo que ello conlleva. También podemos ver caras conocidas de nuestro cine y televisión como Daniel Guzmán o Chete Lera.

La luz del Madrid veraniego guía la fotografía de la película. La banda sonora es perfecta, todos los temas tienen aroma de Barrio, como el rap de 7n7c o el rock urbano de Extremoduro, Hechos contra el decoro o Habeas Corpus.

Sencilla, nostálgica, triste, dura, divertida, te tiene con una sonrisa en la boca tan pronto como te pone una lágrima en la mejilla. Sin duda es una película de Barrio, no de San Blas, ni de sus protagonistas, de todos los barrios. 

TE GUSTARÁ SI: Te gusta el cine real, has pasado tu adolescencia en el Barrio pateando las calles o simplemente te gustan las películas que cuentan una historia sin necesidad de acción ni efectos especiales. 

NO TE GUSTARÁ SI: Esperas que Barrio sea (la genial por cierto) Una historia del Bronx, aquí no hay gangsters con traje y peleas de bandas a lo Capone, esto es Madrid, quizás no sea tan espectacular, pero también es duro. 

NUESTRA NOTA: (sobre 10)

• Santi Mazarro        7,0
• Andrés Moraleda   7,0
• Ignacio Haragán 
• Marcos Cuevas

Chronicle

Uno grupo chicos de instituto decide ponerse a explorar un bosque en medio de una fiesta rave. Allí encuentran una cueva extraña y sospechosa. Tranquilos, no es un episodio de El Internado, es el comienzo de esta nueva y original reinvención del género de superheroes.

En realidad odio la palabra superheroes para definir esta película porque puede llevar a enormes equívocos,  si se os ocurre una palabra mejor para definir el género cinematográfico en que personas corrientes obtienen poderes sobrenaturales que les convierten en seres superiores, hacedmelo saber.

Lo que encuentran en la cueva, les dotará de poderes inimaginables. Ahora bien, ¿Qué es lo que harías si tuvieses 18 años y descubrieses que tienes el poder de mover los objetos o controlar las cosas que te rodean? Seguramente tu primera decisión no sería la de ponerte una ridícula capa sobre un pijama y salvar al mundo del mal. He ahí la cuestión. La combinación de unos jóvenes personajes bien interpretados por completos desconocidos con el uso de cámara-testigo (cámara en mano y primera persona) es lo que hace de esta película una pequeña joya de la verosimilitud  dentro del género.

Chronicle me ha sorprendido gratamente. La frescura con la que está dirigida, lo novedoso de su guión y lo atrevida y verosímil que resulta hacen que se convierta en un divertimento palomitero inteligente y admirable. 

Como carta de presentación no podía ser mejor para su director Josh Trank (primera cosa que dirige en toda su vida) y para el guionista Max Landis (de lo primero que escribe). Sin duda la industria empezará a fijarse en ellos a partir de ahora. Y yo también, jijiji.

Acabo con una mala noticia, el éxito que esta producción de bajo coste está teniendo en la taquilla, ha motivado a los señores de la 20thFOX a bañar en dinero a sus creadores para que rueden la segunda parte. Probablemente, se la cargarán como ya pasó con otros tantos taquillazos de nivel que se convirtieron en franquicias chapuceras; me vienen a la mente Matrix, Shrek o Piratas del Caribe.

Four Lions

Pues ponte en la situación de que estás un día aburrido en tu casa, hablas con un amigo y le dices: "Tú (a los amigos siempre hay que tratarlos de tú), me aburro, dime algo entretenido para ver." Y siguiendo con la situación, tu amigo te recomienda Four Lions, que desconoces totalmente, pero le haces caso, sin saber nada más sobre la peli en cuestión. Y tras el visionado solo puedes hacer una cosa: casarte con ese amigo (no lo digo yo, es la Ley de Dios).

La comedia que hará que, sin comerlo ni beberlo, te encuentres unido en matrimonio a una persona con la que probablemente no tendrías sexo ni cobrando se llama Four Lions. Trata sobre una célula terrorista islámica que trata de actuar en el Reino Unido, con tronchantes consecuencias.

Esta película supone el debut de Chris Morris como director, una apuesta arriesgada teniendo en cuenta la sensibilidad de la gente con todo lo relacionado con el terrorismo. Sin embargo consigue, con el humor, alejarse de cualquier postura que pudiese ser considerada ofensiva, tanto desde occidente por "acercar el terrorismo", como desde oriente por hacer una caricatura xenófoba de los musulmanes. Simplemente hace reir, mucho.

A lo largo de estos 94 minutos tendremos la oportunidad de llorar de risa con lo grotesco de unos personajes, correctamente interpretados por unos actores bastante desconocidos, que son dibujados como la típica banda de película, con un cerebro sensato rodeado de auténticos idiotas. Además el largo está cargado de golpes buenísimos, sin llegar a hacerse cansinos, bastante absurdos pero con alguna pincelada de humor negro. Nos encontraremos con muchas situaciones inevitablemente graciosas, como, por ejemplo, los desternillantes videos amenazantes de los terroristas y más, mucho más.

 

"I'm taking pictures in muyahid' style"

A los consumidores de cannabis os advierto que la encanada puede ser seria, es recomendable fumar con moderación, o administrarse la peli en dosis pequeñitas.

TE GUSTARÁ SI: Te gustan pelis de humor del estilo de los Monty Python (salvando las distancias).

NO TE GUSTARÁ SI: No aguantas el humor absurdo.


NUESTRA NOTA: (sobre 10)

• Santi Mazarro          6,5
• Andrés Moraleda   
• Ignacio Haragán      7,5
• Marcos Cuevas

Valor de Ley (True Grit)

Valor de Hacer un Western de los sesenta en 2010 (True Grit), es la película mas taquillera de los Coen. Bajo esta estadística que se debe a que esta es la menos "coeniana" de sus cintas, descubrimos una de las joyas de los últimos años. Se trata de un remake de un clásico del oeste, que a su vez estaba basado en una buena novela, en la que por cierto se han fijado más los hermanos para escribir su guión que en la cinta protagonizada por John Wayne, ya que con esta última comparte más bien poco.

Un alguacil bebedor, malhumorado y con pocos escrúpulos (Jeff Bridges, el Nota) es contratado por una  entre sabionda e inteligente niña de 14 años para acabar con el asesino de su padre y así vengar su muerte...a la media hora de película. Hasta entonces el comienzo descriptivo, es árido y seco como el mismo desierto. Esto puede desilusionar a los adeptos al cine del oeste, que no verán ni un solo tiro hasta bien adentrada la película, ni tampoco disfrutaran con las pinceladas de humor presentes en sus otras obras y ausentes en esta.

A pesar de su aparente lentitud, sello propio de los Coen, su narración es muy correcta, calmada, pero hilada a la perfección. Quizá la aparición de Matt Damon embutido en un disfraz de Buffalo Bill sea el gatillo de un revolver que tarda en disparar y cuya bala se tambalea brillantemente cambiando de rumbo a medida que transcurre la trama.

La relación entre los tres personajes protagonistas (espectacular Jeff Bridges repito) es el punto fuerte de una historia tierna en la que se nos descubren las miserias de una horrible época, a la que ellos parecen estar bien acostumbrados. Emotiva, entretenida, con un tinte clásico y un sabor a puro western inconfundibles, y ante todo, técnicamente perfecta. Muy bien hecha.

 Para acabar entramos en el siempre polémico lío de los premios. Valor de Ley recopiló 10 nominaciones al Oscar, entre ellas Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Principal... de las que no se llevo ni tan solo una estatuilla. Si bien es cierto que compitió en el que considero el año más prolífico y completo del cine  reciente (La Red Social, Origen, Cisne Negro, Los chicos están bien, 127 horas, The Fighter, El discurso del Rey, Winter´s Bone). Puede que a pesar de ello, True Grit sea la que más se recuerde con el paso del tiempo, hecha de ese material incombustible, es y será puro y crudo cine del oeste.

El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard)

Sunset Boulevard, traducida al castellano como El crepúsculo de los dioses (así, a lo loco), es otra de las obras maestras que Billy Wilder nos ha dejado. Lo de este director es increíble, es increíble para empezar que pueda hablar sin temor a equivocarme de "otra" obra maestra, pero es cierto, lo que Wilder toca se convierte en oro: El Apartamento, Irma la Douce, Testigo de cargo, etc. Luego juzgar cuál de ellas es la mejor, es otra historia... Por otra parte también me parece increíble la intemporalidad de su trabajo, y es que, pasan los años, pero El Apartamento sigue siendo incombustible.

La peli que hoy nos ocupa, Sunset Boulevard, cuenta la historia de Joe Gillis (William Holden), un joven guionista fracasado y acosado por las deudas que, huyendo de sus acreedores, se refugia en una vieja mansión aparentemente abandonada. Pero, casualidades de la vida, la mansión está ocupada por Norma Desmond (genial en este papel Gloria Swanson), una antigua estrella del cine mudo venida a menos, atrapada en su pasado de gloria, y su fiel criado Max. Continuando  con las casualidades, Norma, negándose a admitir que su fama se fue cuando llegó el sonido al cine, ha escrito un guión con el que pretende catapultarse de nuevo al estrellato, y le pide a Gillis que lo revise, a condición de que viva en su mansión. 

A partir de este momento Joe, obligado a vivir en la mansión, entra de lleno en el mundo de Norma Desmond, extravagante, cínica, con necesidad constante de obtener ser el centro de atención, sobretodo para Joe, al que convierte en un mantenido de lujo. Poco a poco Norma se va revelando como una mujer obsesionada, tanto con Joe como con demostrar que sigue siendo una estrella de la gran pantalla.

Todo el film está grabado con la sencillez (que no simplicidad) elegante que caracteriza a Wilder, sin mucho artificio ni complicación, pero, como siempre, todo en su sitio, en su momento y en la cantidad adecuada. 

Impresionante la escena final en la escalera, un hito del cine.

Gloria Swanson, con ese irritante acento y esa auténtica locura que logra transmitir ya solo con la mirada. Aunque, realmente, Norma Desmond es un personaje que peca quizás de ser un poco plano, el personaje de William Holden, aunque con una interpretación menos llamativa, es muchísimo más complejo, ya que no tiene un objetivo claro y va evolucionando conforme avanza la historia. 

El guión también tiene mérito, un humor negro oscuro, básicamente cabrón, se extiende de principio a fin de la película, empezando por el narrador, que se toma con bastante humor su propia muerte. El personaje de Norma, tiene también varios momentos que te sacan una sonrisa agridulce, además de los cameos, que si indagáis un poco descubriréis que están elegidos con bastante mala idea. Clasicazo.

TE GUSTARÁ SI: Te gustará, sí.

NO TE GUSTARÁ SI: Buscas un entretenimiento 5D con surtidor de caramelos, esto es cine.


NUESTRA NOTA: (sobre 10)

• Santi Mazarro          8
• Andrés Moraleda   
• Ignacio Haragán      8,5
• Marcos Cuevas

The harder they come

The Harder They Come es una película que está llamada a ser recordada, pero más por ser un símbolo del reggae que por su calidad cinematográfica.

El punto fuerte de esta película es su buenísima banda sonora, con canciones de Toots & The Maytals, Desmond Dekker, del mismo protagonista, Jimmy Cliff, y de algunos más, que hoy en día son en su mayor parte clásicos de la música jamaicana. La banda sonora aporta la personalidad al largometraje, todas las canciones escogidas tienen la virtud de transmitir estados de ánimo perfectamente, lo que las hace perfectas para acompañar a las escenas que acompañan.

Cuenta la historia de un joven, Ivanhoe Martin (Jimmy Cliff) de la Jamaica rural que viaja a Kingston con la intención de triunfar en el mundo de la canción. Sin embargo, la miseria de la ciudad trunca poco a poco sus sueños, llevando al protagonista a ser un buscavidas, que va ascendiendo hasta convertirse en un importante traficante de marihuana. Y hasta aquí puedo contar. 

He de admitir que lo que me llevó a ver la peli fue esta canción, que para mi es una auténtica maravilla. Y ya de paso, si sois de colegio privado y entendéis la letra, entenderéis parte del significado del film.

A otros niveles tampoco hay que esperar maravillas, en lo técnico y lo interpretativo es primera y última película de la mayoría, Jamaica no es un país que produzca cine y se nota: dirección más bien pobre y actores no profesionales en su mayoría.

Pese a todo es un mito musical, ya que es la película que mostró al mundo la música que se facturaba en Jamaica en la época y, sinceramente, aunque solo sea porque fue el motivo de que se grabase el tema "The harder they come", merece la pena que se rodase la película.

The Boxer

Antes de comenzar la crítica, ¡ qué pedazo de actor es Daniel Day-Lewis! Dicho esto, ya se puede intuir uno de los puntos fuertes del filme, la portentosa actuación del actor británico, sin cuya participación, el filme no sería tan redondo.

El punto de partida: la Irlanda del Norte justo en el momento en el cual el IRA agonizaba y la paz se veía precedida por la violencia de los rencores y desacuerdos.

El jugo: Danny Flynn, un boxeador dentro y fuera del ring, sale de la cárcel catorce años después de participar en un atentado de la banda terrorista. A su regreso, intenta montar un gimnasio donde católicos y protestantes puedan aprender a boxear. Al mismo tiempo, su antigua novia volverá a su vida con todos los inconvenientes que ello trae. Maggie es hija del capo del IRA y su marido está cumpliendo condena. Esto chocará con el amor latente que se despierta catorce años después. Así mismo, el padre de Maggie, Joe, está negociando con el gobierno británico la paz a cambio de la amnistía de los presos (un tema que tenemos en la parrilla justamente) pero su socio Harry no está muy convencido del fin del conflicto.

Todos estos personajes y situaciones se entremezclan creando un clima de tensión donde hay espacio para una historia romántica más potente que en muchas de las películas que querrían serlo, y un debate moral sobre la violencia.

La historia de Danny se mezcla con el proceso de paz que lleva a cabo Joe y las dificultades que ello conlleva. El complicado clima del barrio controlado por Harry encuentra a antiguos amigos enfrentados y miradas que disparan balas en las esquinas, pero también gente con cordura en un mundo donde la violencia es el modo de vida. Como dice Danny: "no soy violento, pero este lugar me hace serlo".

Basada en la historia real del boxeador Barry McGuigan que resistió los golpes que sus antiguos compañeros le dieron por no esconderse. Como ya he comentado, Daniel Day-Lewis está fantastico, un papel a su medida, contenido, que dice todo con una mirada y capaz de soltar toda la rabia con un golpe de boxeo. Un papel solo para actores de la talla de Day-Lewis, que es capaz de aguantar el peso del filme el solo, igual que aguanta los golpes sobre el cuadrilatero. Emily Watson también compone un papel de altura dandole la réplica a su compañero. Los secundarios rallan a un nivel genial en especial Brian Cox y Gerald McSorley, que ofrecen unos líderes del IRA muy veraces y distintos entre sí.

La cámara de Sheridan filma con nervio durante todo el metraje pero quizás la pelicula adolece de ser un poco fría. La historia engancha y los actores hipnotizan pero le falta más artificio para imprimirse en la memoria. Quizás con ese artificio la historia se hubiese desvirtuado... ¿quién sabe? pero la película en general, es redonda y no queda más que decir que: sientense y dejense llevar por las calles de Belfast.

Un dios salvaje

A diferencia de Ignacio, el simpático y atractivo joven que hizo la última crítica, yo si que voy al cine muy a menudo puesto que soy asquerosamente rico. Con él comparto en cambio, el hecho de traeros otra película francesa de este pasado 2011, y es que una de las últimas que vi en la gran pantalla fue esta breve joya del polémico Roman Polanski. 

Un dios salvaje está basada en una obra de teatro de Yasmina Reza, que yo no he visto y que no me importaría ver una vez vista la peli. Se trata de una comedia muy inteligente y ligeramente cruel que trata con exquisita maldad y de forma políticamente incorrecta la excesiva corrección política de nuestra sociedad actual.

Dos niños se pelean en un parque. Sus padres quedan para resolver el conflicto de forma diplomática una tarde cualquiera... y poco más han necesitado para recrear una de las comedias del año. Además, toda la acción se desarrolla en el salón de una casa. Y allí, entre flores de plástico y revistas de coleccionista, los personajes quedan atrapados durante una hora y media en ese bucle de buenos modales, hipocresías, miseria, falsedad y pequeñas mentiras con que nos engañamos a nosotros mismos todos los días, y ya sabéis, lo que empieza en buenos gestos y palabras vacías... acabará en un enfrentamiento primario entre estos personajes contradictorios, del que ninguno saldrá vencedor. 

La interpretación, simplemente soberbia. He de decir, que siento especial debilidad por el genio alemán Christoph Waltz desde que le vi en su oscarizado papel de nazi pirado en la tarantiniana Malditos Bastardos, pero la verdad es que se sale en esta cinta. Kate Winslet, Jodie Foster y John C. Reilly le acompañan magistralmente.

El film es una obra original e interesante que oculta una divertida reflexión sobre la incomunicación de las personas en nuestra sociedad occidental.

 ADVERTENCIA

Si pagas 7 euros por ir al cine y descubres que la peli sólo dura 1 hora y pico..  .

luego no digas que no te lo avisamos y cuélate en otra sala.

The Artist

Pues sí, ayer fui al cine después de tres años o así. Como ha cambiado todo, eh. ¡Qué diferente es la España de Rajoy! Aún me acuerdo de aquella última vez, que fui a ver Malditos Bastardos en 2009, cuando todavía gobernaba Zapatero y no brillaba el sol como ahora...

Pero en fin, dejando aparte a la gente de bien, como iba diciendo ayer volví al cine y fui a ver esta The Artist, con una rubia despampanante bajo el brazo, por supuesto. Ya en mi butaca estuve como hora y tres cuartos esperando al anuncio de Movierecord, pero solo pusieron un trailer muy largo en blanco y negro hasta que encendieron las luces, fin.

No, ahora en serio, me decepcionó mucho no ver lo de Movierecord, pero pese a ello me sobrepuse y fui capaz de atender a la pantalla, entre lágrimas, eso sí. Y lo que las lágrimas me dejaron ver, sinceramente me gustó. El director, Hazanavicius, consigue transmitir sin hablar más que muchos con palabras. Se trata de una película inspirada en el cine mudo de los 20, que tiene de todo, acción, drama, romance, amistad, fracaso, gloria, risas, lágrimas... 

Una historia bastante simple pero perfectamente narrada, que consigue llegar al espectador moderno por muy acostumbrado que esté al cine sonoro. Quien la vea lo que va a encontrar en The Artist son imágenes en blanco y negro, una fotografía cuidadísima imitando el cine de los 20, acompañada de una banda sonora que, diría que ayuda mucho a entrar en la película, pero es un largometraje tan cuidado en todos los aspectos que no se puede destacar uno concreto.

En este resultado final también colaboran mucho los actores que, pese a haber trabajado siempre apoyados por su voz, consiguen que entendamos lo que dicen sin recurrir casi a los carteles escritos.  Los dos protagonistas están de diez. Jean Dujardin en el papel de George Valentin, consigue convencer de que es un mito del cine, incluso llega a dar la impresión de que han contratado a un verdadero actor de cine mudo de propio. Por su parte Bérénice Bejo como Peppy Miller, guapa por cierto, recuerda a la Olivia de Popeye por su delgadez y forma de vestir, pero con una sonrisa más encantadora. 

Vemos por ahí algún que otro secundario de lujo, como John Goodman o James Crowell. ¡AH! También está el perro, que actúa mejor que gente que vemos en ciertas series españolas, y ha hecho que se reabra en mi le debate de qué cojones hago estudiando, si lo que siempre he querido ser es perro, pero esa es otra historia...

En fin, merece la pena verla, The Artist desprende encanto por los entre 4 y 20 costados que puede tener el cine, y además hay hasta claqué. Y es que para mí, en esta época que nos ha tocado vivir, ver esta peli es un "que le jodan al 3D", yo quiero más cine mudo si es así. Un nuevo clásico.

 ADVERTENCIA

El visionado de esta película no incluye obligatoriamente rubia despampanante.